Novos Designers: seis nomes independentes para ficar olho

Akemi

O minimalismo, as culturas asiáticas e o dia a dia urbano permeiam as criações da Akemi, neolabel de sapatos fundada em 2019 pela paulistana Rebeca Akemi. “Meus pais são completamente apaixonados por calçados. Meu pai, japonês, tem os pés bem pequenos e sempre fez os seus sob medida. Já a minha mãe usa salto desde os 12 anos, assim como eu”, conta a designer sobre as primeiras influências. “Eles também são muito atentos à qualidade, então fui naturalmente me interessando por esse universo e pelo artesanato. Para mim os sapatos são mais importantes do que a roupa.”

Com experiências na Dafiti, Forever 21 e Mai & Mai, Rebeca estudou minuciosamente todos os processos do mercado antes de se tornar empreendedora. Fez Estilismo e Coordenação de Moda no Senac, Negócios da Moda na Anhembi Morumbi e Fashion Business na Universidad Europea de Madrid. “Sou muito perfeccionista, extremamente organizada e observadora, então chegou um momento em que comecei a perceber coisas que não gostava na empresa onde estava e a pensar como faria diferente”. Foi aí que nasceu a Akemi, em novembro de 2019.

Em ritmo de slow fashion, a grife trabalha com pequenos drops de modelos atemporais, todos feitos à mão. “Também aceito pedidos sob medida, tenho uma grade que vai do 33 ao 42, às vezes consigo chegar ao 44”, explica. “Não fazemos grandes estoques, tudo é muito exclusivo, com tiragens bem pequenas e, se há uma demanda maior por algum modelo, consigo produzir um pouco mais, ou por encomenda”.

A marca tem ainda um lado social em desenvolvimento. “A ideia é conseguir abrir um espaço para profissionalizar pessoas que estão na Febem, sem perspectiva e moradores de rua. Fazer um trabalho tanto de regeneração psicológica quanto de profissionalização por meio do artesanto”, diz a designer, que, no momento, está finalizando seu próximo lançamento: serão quatro novos sapatos, previstos para junho.

Anacê

Criada por Ana Clara Watanabe e Cecília Gromann, a Anacê estreou em abril de 2019 com o objetivo de propor um novo olhar sobre a alfaiataria tradicional. “Nosso processo criativo revisita as nossas vivências no interior de São Paulo, com as nossas famílias, apresentando um olhar sensível sobre essas memórias traduzidas em vestuário”, define a dupla, que se conheceu na faculdade de moda. “A princípio, a ideia era unir as nossas estéticas em uma peça colaborativa, visto que nós duas sempre fomos apaixonadas por alfaiataria. Contudo, logo percebemos que, além da nossa história ser muito parecida e termos referências em comum, conseguíamos criar e trabalhar juntas com facilidade, e que somos muito complementares”.

Ambas descobriram o amor pela moda na infância, desenhando e costurando as próprias peças, e entraram cedo no mercado. Enquanto Cecilia teve experiências na Sorts Co., Mariah Rovery e em produção de figurinos para videoclipes, Ana Clara passou pela Luiza Dias 111, Flavia Aranha e TV Record. Entre um job e outro, em 2018 iniciaram o projeto da marca, ainda na faculdade. “Unimos nossas experiências como criativas, apresentando a não distinção de gênero e atemporalidade como base do nosso trabalho”, conta Ana Clara.

Shapes amplos, cores fortes e aviamentos diferenciados compõem as criações da Anacê, sempre arrematadas por materiais com algum diferencial, seja na construção, na base das fibras ou no acabamento do tecido. “Nossa modelagem é muito importante e um dos processos mais demorados quando estamos elaborando uma coleção. Desenvolvemos, de forma exclusiva, um formato de medida que veste bem, sem distinção de silhueta, sendo esse um dos nossos principais pilares”, explica Watanabe.

Com duas grandes coleções por ano, a grife também faz alguns drops individuais de produto, dependendo da necessidade de estoque. “Agora, por exemplo, lançaremos um especial em parceria com algumas artistas plásticas e têxteis que fizeram intervenções em peças da coleção Mandacaru”. Em paralelo, a dupla está trabalhando na próxima entrada, prevista para junho, numa pegada diferente do que já foi feito até o momento. “São peças mais essenciais e voltadas para a alfaiataria tradicional, mas sem perder a nossa identidade”, diz Cecília.

Dan Tavares

Daniel Tavares, mais conhecido como Dan, ama e consome moda desde a adolescência, mas há cerca de dois anos, deixou de ser um espectador para se tornar produtor das próprias roupas com sua etiqueta homônima. “Sempre me senti atraído pelo design de alguma forma e, especialmente, pela moda. Conforme fui crescendo, não sabia bem o que poderia acontecer em relação a isso e entrei me matriculei no curso de arquitetura primeiro”, conta o carioca de 32 anos.

Na arquitetura, Dan trabalhou com design de interiores e, nos últimos anos, fez cenografia até ser desligado da produtora onde trabalhava, como consequência da pandemia da Covid-19. “Entendi que era o chacoalho que precisava para começar a produzir minhas roupas para vender”, explica ele. Antes disso, porém, o carioca já vinha se aprimorando no ofício em um ateliê de costura em Ipanema, fazendo seus próprios experimentos e divulgando o processo no Instagram. “Muita gente perguntava sobre as roupas, queriam encomendar e eu já me sentia apto para isso. Ainda assim, tinha medo, porque a partir do momento que você coloca um preço no produto, as pessoas somem”, conta. “Mas me arrisquei e a coisa aconteceu muito mais rápido do que imaginei.”

Em suas criações, priorizam-se as silhuetas mais amplas e cortes brutos, com um pé no minimalismo. “Gosto da facilidade do vestir, sem muito zíper ou coisas que apertam, então faço amarrações que tragam essa praticidade e garantam o movimento do corpo.” A estrutura também é um ponto importante para o estilista, que aposta no algodão, na malha e na sarja para dar forma definida a suas roupas, sem que sejam muito pesadas para o clima brasileiro. “Como a marca é pequena, não consigo comprar muito material, então faço tudo sob demanda”, fala. Apesar de mais responsável e consciente, o processo tem suas limitações. “Fico muito refém do que está disponível no Rio e aqui não tem muita coisa, então acabo tendo que sambar com o que acho.”

Ao longo desse um ano de produção, Dan montou um repertório de peças básicas que estão sempre disponíveis para encomendas via DM de Instagram. “Há também uma certa flexibilidade de cores em algumas peças e se o cliente tiver algo específico na cabeça, posso dar uma caçada para ver se funciona”. O aprendizado no ateliê ainda continua e ele utiliza o período para focar no processo criativo, pesquisando e testando modelagens para futuramente ampliar o mix de produtos. “Ainda estou entendendo como funcionarão os lançamentos, mas tenho trabalhado em coisas novas e, se tudo der certo, acredito que em dois meses já esteja pronto.”

Mutuka

“Acredito que o meu contato com a arte veio de berço. Meu pai me instigou muito a pintar, desenhar, estudar música clássica, ler, e minha mãe sempre foi apaixonada por cinema, estudou teatro e trabalhou com design gráfico, além de escrever poesia”, conta Lucas Caldana, designer ítalo-brasileiro à frente Mutuka, marca de roupas-arte baseada em Amsterdã. “Além do lado sentimental e expressivo dentro da minha prática, acredito na criação com intuito de resolver problemas, isso sempre estará presente no meu trabalho como designer e artista”.

Formado em Artes Visuais na Universidade Federal do Espírito Santo (UFES), Caldana entrou na moda aos poucos, primeiro como ilustrador e designer gráfico para algumas marcas de surfe. “Só fui entender do que se tratava mesmo quando me mudei para a Europa, em 2013. Até então, via somente como passarela, um universo completamente distante do meu.” Depois de alguns meses pesquisando marcas, lendo sobre o assunto e estudando Fashion & Branding no Amsterdam Fashion Institute (AMFI), sua percepção mudou. “Com o tempo, pude conhecer o quão multifuncional e artística a moda pode ser e acabei me encontrando”, conta ele.

A ideia de fazer roupas com os próprios desenhos surgiu em 2009, mas só saiu do papel em 2018, quando começou a reestruturar as ilustrações e coleções que vinha planejando. “Nunca pensei em ter uma marca de moda, mas, sim, em estender o meu trabalho como artista”, diz. “Geralmente, penso em 4D e a minha visão explora minha experiência, meu conhecimento e herança cultural na qual a estética punk e o pensamento crítico encontram a arte, o design, a cultura de rua, a música e a experimentação”.

Cada peça da Mutuka é única e seu desenvolvimento começa com escolha de tecido, em um processo de testagem que pode levar até dois anos. “Sempre procuro dar preferência às fibras naturais, pois ultimamente tenho trabalhado muito com tingimento e serigrafia”, explica Caldana. “A composição do material é muito importante, porque, acima de tudo, prezo muito por durabilidade e qualidade. E os tecidos de fibras naturais são, geralmente, menos agressivos ao meio ambiente.”

Os lançamentos acontecem de acordo com o resultado de seus experimentos e a frequência com que consegue produzir. “Priorizo a minha criatividade e o desenvolvimento do projeto. Além disso, minhas peças requerem esforço físico e mental”, fala o designer, que faz quase tudo sozinho. “Desde a fotografia e atualização do site até a construção de algumas roupas. Isso sem contar a pintura, o tingimento, a criação das estampas e a aplicação da maioria delas. É de fato um longo processo artístico. Cada item é tratado de forma individual”, comenta.

O novo drop vai ao ar nas próximas semanas e ainda há uma série de projetos engatilhados, entre eles uma exposição de quadros, colaborações com rappers de Luxemburgo e da Holanda, assim como uma coleção-cápsula para um filme, prevista para 2022.

Paula Rondon

Após anos de sucesso (aqui e lá fora) com o brechó paulistano B.Luxo, fundado ao lado do marido Gil França, Paula Reboredo Rondon, agora, tem sua própria etiqueta. “Em 2017, cursei dois módulos de costura na Central Saint Martins, em Londres, que me motivaram a criar algo diferente do que já fazia, no caso, a compra e venda de peças vintage”, conta ela sobre a nova empreitada. “Foi realmente olhando para tudo que já tinha no mercado que veio a vontade de inovar, mas ainda com o DNA da minha experiência e de tudo que já vivenciei até aqui. Juntei as modelagens antigas com tecidos dos anos 1930,40 e 50, que já tinha, e nasceu a marca.”

As inspirações vêm de tudo o que existe em seu acervo e do seu gosto pessoal. “Me inspiro muito nas fantasias da Royal Opera, de onde tenho várias peças garimpadas, e trago isso para a roupa do dia a dia”. O desenho japonês, as porcelanas kitsch com pinturas de bichinhos, pelúcias antigas e a moda de rua também estão no mix de referências de Paula. Na modelagem, shapes amplos, com tamanho único para suas peças, a maioria vestidos, são o principal diferencial. “Com o isolamento social, quis fazer roupas confortáveis, mas com imagem de moda. Esse virou um dos pilares da marca”, diz. “Através do one size, posso vestir vários corpos e também atender melhor os clientes. É muito difícil aprofundar a grade quando se trabalha com tecido em pequenas quantidades.”

Os drops da marca são mensais e têm em torno de 40 peças cada, entre vestidos, calças, camisas e tops. O próximo lançamento será no começo de maio e terá, além de novos modelos de vestidos, casacos para o inverno e uma linha de acessórios. “Também atendo a demanda de peças por atacado, buscando tecidos antigos, mas agora em quantidade. Já encontrei alguns rolos dos anos 1970 e 80 e sigo focada nisso.”

Virgílio

Veterano da moda, o mineiro Virgílio Andrade já passou por diversas etapas da profissão. Foi assistente de estilo de estilistas importantes, como Samuel Cirnansck, integrou o projeto Lab e o line-up oficial do Casa de Criadores (com sua, então, Virgílio Couture), trabalhou com diversas marcas coreanas do Bom Retiro, participou do Minas Trend, entre outros feitos.

Mas, de um ano e meio para cá, a sensação de estagnação e esgotamento de alguns processos engessados do mercado lhe fizeram repensar tudo. “Comecei a rever os meus trabalhos da época de faculdade e a redescobrir minha essência”, conta Andrade, que decidiu tirar o Couture do nome marca e se relançar apenas como Virgílio. “Não estava mais me reconhecendo, estava frustrado, então fiz essa imersão na minha história e estou me reencontrando como designer e criador de imagem.”

Virgílio

Foto: Virgílio Andrade

Na nova etapa, ele trabalha em dois formatos: o sob medida, que vai da alfaiataria ao vestido de noiva, e as coleções-cápsula, idealmente de cinco em cinco meses. Em ambos os processos, o estilista confecciona praticamente tudo sozinho – exceto algumas finalizações feitas por Tonha, sua costureira – e a ideia é reutilizar tanto modelagens como materiais que já possui em acervo ou que estão em estoque.

O reaproveitamento têxtil já pontua a primeira coleção, lançada recentemente, com 15 peças, algumas delas únicas. “Mesclei camisolas e slip dresses com tecidos antigos do meu arquivo a uma camisaria de tricoline, que faço por demanda”, diz. “Nessa camisaria, desenvolvi colagens manuais, depois as trabalhei digitalmente em cima do material, adicionando formas geométricas e serigrafia, para ter texturas diferentes.” A reformulação também abriu espaço para novas experimentações com sobreposições de tecidos, plissados, bordados, rendas e patchworks, sempre em busca de maneiras de subverter os elementos tradicionais da moda. “Nessas cápsulas, sinto que é a hora de criar aquilo que realmente acredito”, define.

A segunda coleção está em desenvolvimento e será uma edição limitada de camisetas com estampas exclusivas e formas oversized. “Acho que tem que ser um produto mais subversivo, com algum teor de contracultura e mais político”, revela Virgílio. “Tenho muito material parado, tecidos antigos de família bordados pela minha avó, lençóis e toalhas de mesa, então quero também desenvolver uma cápsula unindo esses materiais com peças que coleciono desde a faculdade, fazendo sempre o exercício do upcycling.”

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