As formas da beleza

Em História da beleza, Umberto Eco propõe um exercício de imaginação: o que aconteceria se um marciano do próximo milênio se deparasse com um quadro de Picasso e uma descrição literária da beleza feminina daquele período? Enquanto Picasso pintava Les Demoiselles d’Avignon (1907), com mulheres de rostos fragmentados e corpos construídos por formas angulosas, Edith Wharton descrevia em A casa da alegria (1905) uma jovem ruiva de rosto oval, pele clara e beleza delicada. A provocação do filósofo italiano é justamente para mostrar como diferentes modelos de beleza podem coexistir em uma mesma época, inclusive quando expressam ideais opostos – a depender daquilo que pintores, escultores e escritores escolhem celebrar. Ao longo dos séculos, o chamado corpo ideal assumiu muitas formas – nem sempre as que hoje poderíamos imaginar. Homens, por exemplo, já foram admirados pela musculatura bem definida, mas também por silhuetas esguias e gestos delicados. Mulheres puderam ser valorizadas tanto pelos quadris largos, seios fartos e ventres arredondados quanto pelas cinturas finas, ombros estreitos e corpos sem curvas, à la garçonne. A pele clara, que em muitos contextos foi sinal de distinção, chegou a perder lugar para a aparência bronzeada, que se transformou em sinônimo de saúde e vitalidade. LEIA MAIS Pornochanchada: sexo à brasileira Se é verdade que a história da arte oferece um caminho para acompanhar as transformações de cada tempo, também é preciso considerar que as imagens não se limitam a registrar os padrões vigentes. Ao idealizar e dar forma a determinados corpos, os artistas ajudam a estabelecer referências e, com isso, moldam o nosso olhar. O resultado é que aquilo que passamos a considerar belo nem sempre coincide com o que temos (ou vemos no espelho). Em cada época, diferentes atributos físicos são evidenciados e se tornam modelos a alcançar, transformando aparência em objeto de desejo. Do cânone de proporções perfeitas da Antiguidade à magreza que surge nos anos 1990 e volta a dominar as passarelas, os exemplos mostram como esses ideais mudaram e como continuam, ainda, a nos influenciar. O homem atlético no cânone de Policleto Foi no século 5 a.C. que o escultor grego Policleto desenvolveu uma teoria que estabelecia as medidas perfeitas entre as partes do corpo, combinando a proporção dos dedos à palma da mão, da palma da mão ao antebraço, do antebraço ao braço, e assim por diante. Para exemplificar o tratado, conhecido como Cânone, esculpiu o Portador de Lança (Doríforo, c. 450 a.C), uma estátua em bronze que reproduzia o ideal clássico da beleza masculina, com um corpo jovem e musculoso. Embora o estudo e a peça original tenham se perdido ao longo da história, cópias em pedra e mármore foram produzidas pelos romanos, e a relevância da produção foi reforçada no século 2 d.C, pelas análises do médico Galeno a respeito do legado de Policleto e por uma frase atribuída ao próprio escultor: “A beleza é realizada pouco a pouco, através de muitos números”. Um salto no tempo e, no fim do século 19, o fisiculturista Eugen Sandow buscou aproximar o corpo masculino dos ideais da escultura grega. Inspirado nas estátuas clássicas, Sandow não só exibia uma musculatura desenvolvida, como adotava poses que valorizavam o equilíbrio e a harmonia entre as partes, retomando princípios associados a Policleto. Hoje, ainda que o Cânone já não ocupe o mesmo lugar nas representações masculinas, o ideal do corpo atlético segue presente. Um artigo publicado em 2020, na revista científica Cyberpsychology, Behavior, and Social Networking, analisou mil publicações do Instagram que retratavam homens – os resultados mostraram que a maioria delas exibia corpos musculosos e que essas imagens eram as que mais geravam curtidas e comentários. Da Vênus de Botticelli ao ideal da pele alva Já no Renascimento, o pintor Sandro Botticelli põe em voga um ideal de beleza representado pela deusa do amor e da beleza – que, em O nascimento de Vênus (c. 1485), tem pele clara, uniforme e luminosa em contraste com cabelos avermelhados. A obra retoma um tema da mitologia greco-romana em um momento em que artistas e pensadores buscavam referências para estabelecer harmonia e perfeição. Ao representar Vênus, Botticelli não procurou retratar uma mulher real, mas construir e reforçar uma imagem idealizada do corpo feminino. O rosto dela apresenta traços delicados, nariz fino e pescoço alongado, enquanto o corpo tem ombros estreitos, cintura fina e proporções alongadas. A palidez da deusa também fazia parte dos padrões que as mulheres daquele tempo buscavam alcançar. Receitas renascentistas ensinavam a clarear os cabelos e a preparar cosméticos para uniformizar a pele, sendo que algumas chegavam a indicar branco de chumbo, pigmento tóxico cujos riscos para a saúde só seriam compreendidos mais tarde. Um paralelo histórico interessante está no Japão, onde a valorização da pele clara vem de longa data. No período Nara (710–794), as mulheres da corte aplicavam pó branco no rosto como parte de sua maquiagem e, durante o período Heian (794–1185), a pele alva aparecia como atributo desejável, sendo associada a uma posição social mais elevada. Um ideal que permanece hoje no Oriente, e tem ecos no Ocidente, com ajuda da indústria de cosméticos, que associa palidez e refinamento – um padrão muito difundido entre chinesas e sul-coreanas, por exemplo. LEIA MAIS: “Vicentina pede desculpas”, “Making Marie Antoinette”e mais estreias do streaming em novembro Os corpos volumosos de Peter Paul Rubens No século 17 é a vez da pintura europeia retratar as formas femininas associadas à saúde, fertilidade e abundância. Em uma sociedade marcada por períodos de escassez – provocada por guerras e pestes –, o corpo farto surgiu como sinal de prosperidade, enquanto a pele clara continuava sendo sinal de distinção social, por estar associada às pessoas que não precisavam trabalhar expostas ao sol, ou seja, no campo. Nesse contexto, Peter Paul Rubens, um dos principais pintores do Barroco, destacou-se pela representação de figuras femininas de curvas pronunciadas, formas exuberantes e pele rosada. Em As três graças (c. 1635), as deusas da mitologia greco-romana associadas à beleza, à alegria e à generosidade aparecem entrelaçadas em meio à natureza exuberante – a figura à esquerda teria sido inspirada em Helena Fourment, segunda esposa do artista, com quem se casou quando ela tinha apenas 16 anos e ele, 53. Rubens representou mulheres de formas volumosas em cenas mitológicas, de temas bíblicos e históricos, nas quais elas assumem frequentemente uma presença imponente e heroica. Não à toa, a associação do pintor com esse tipo físico deu origem ao adjetivo “rubenesco”, usado para descrever figuras de contornos arredondados. A valorização das curvas permite uma aproximação com a estética contemporânea associada às Kardashians, que popularizaram uma silhueta marcada pelo contraste entre cintura estreita, quadris largos e glúteos acentuados. Mas, diferentemente do ideal de Rubens, no qual a plenitude se distribuía pelo corpo, o padrão atual enfatiza proporções específicas, mostrando como os ideais de beleza se transformam de acordo com as referências culturais de cada época. A beleza como produto na era de Andy Warhol Na década de 1960, enquanto a cirurgia estética ainda enfrentava resistência na própria comunidade médica, a publicidade e a cultura de celebridades começaram a difundir a ideia de que a aparência poderia, sim, ser modificada. Foi nesse ambiente que Andy Warhol encontrou matéria-prima para sua obra, apropriando-se de um anúncio de rinoplastia publicado no jornal estadunidense National Enquirer. Nas pinturas da série Before and after (1961-62), o artista pop justapõe duas imagens do perfil de uma mesma mulher: na primeira, o nariz é proeminente; na segunda, aparece arrebitado. A escolha do tema tinha também uma dimensão autobiográfica. No início dos anos 1950, Warhol chegou a retocar a própria foto do passaporte com um lápis preto, afinando o nariz e acrescentando cabelo às áreas calvas da sua cabeça. Em 1957, se submeteu a uma intervenção cirúrgica no nariz. Seu desejo de corrigir imperfeições não se restringia à própria aparência. Nos retratos que realizava, Warhol intervinha na imagem alheia recorrendo à iluminação intensa e ao excesso de pó facial para disfarçar marcas da pele. Em fotografias que serviriam de base para pinturas, chegava a aplicar tinta branca no rosto dos modelos para atenuar rugas e sardas. Ao reproduzir em serigrafia imagens de celebridades como Marilyn Monroe, o artista também transformava rostos reconhecíveis em imagens seriadas, multiplicáveis e comercializáveis. A beleza passava, assim, a integrar a lógica dos produtos de consumo, podendo ser comprada. Uma perspectiva que ganha novos contornos diante da expansão das cirurgias plásticas, dos procedimentos de harmonização facial e dos filtros digitais, que permitem agora remodelar o rosto em segundos. Corinne Day e o culto à magreza Chegando já ao final do século 20, em meados dos anos 1980, quando o glamour era praticamente indispensável à carreira de modelo e a beleza era construída por meio de maquiagens carregadas, a fotógrafa Corinne Day chacoalhou o status quo. Em busca de novos rostos para a revista The Face, em 1990, Corinne se deparou com Kate Moss, então com 16 anos, e se interessou justamente pela sua aparência despretensiosa: o cabelo desgrenhado e o rosto sem maquiagem faziam com que a modelo parecesse uma garota comum. O visual, que surgiu como uma alternativa aos padrões das supermodelos, porém, logo foi absorvido pela indústria. Kate se tornou uma das modelos mais requisitadas do mundo e disseminou em campanhas como as da Calvin Klein um visual polêmico, que combinava magreza extrema e aparência juvenil com palidez, olheiras e uma expressão de cansaço – batizado como heroin chic, uma alusão ao consumo da droga. Hoje, quase 40 anos depois, a história parece repetir esse ideal sob novas formas: depois de um período em que a diversidade de corpos conquistou espaço na moda, a extrema magreza volta a predominar nas passarelas. Segundo um levantamento da Vogue Business publicado em outubro de 2026, dos 9.283 looks apresentados nas principais semanas de moda internacionais, 97,5% foram de modelos de tamanhos pequenos (numeração estadunidense 0 a 4), 2% de tamanhos médios (6 a 12) e apenas 0,5% de tamanhos grandes (14 ou mais). Um cenário que coincide com a popularização das canetas emagrecedoras e a retomada de um ideal de corpo cada vez mais magro. LEIA MAIS: No incel horror, os monstros dão lugar aos homens

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