Como as semanas de moda viraram motor econômico de cidades e até países

A Rio Fashion Week, a nova semana de moda nacional, tem não só algumas das marcas e estilistas mais relevantes do Brasil no momento; tem também o Rio de Janeiro como cartão-postal. E mais: um retrato-modelo do mercado brasileiro tipo exportação. “A moda associada ao país é a do casamento do garoto Osklen com a garota Farm, ambos de Havaianas nos pés”, diz a historiadora Maria Claudia Bonadio. Claro, não é a primeira vez que isso acontece. O alinhamento entre mercado, indústria e cultura é uma estratégia política, econômica e cultural conhecida, que pode gerar bons resultados quando bem orquestrada. Em geral, ela depende da combinação de organizações civis e de trabalhadores, políticas públicas e investimentos governamentais e privados. E os benefícios são amplos. Um bom exemplo é a semana de moda de Copenhagen. Lançada em 2006, ela foi reformulada em 2018, durante a gestão da CEO Cecile Thorsmark. A executiva estabeleceu uma série de compromissos e exigências em prol da sustentabilidade – as marcas participantes devem cumprir 19 critérios ambientais e de diversidade, incluindo o uso mínimo de 60% de tecidos reutilizados ou de origem responsável. Desde o reposicionamento, a moda virou a terceira maior indústria da Dinamarca, com crescimento médio anual de 24%, segundo o Danmarks Statistik, e o país escandinavo foi classificado repetidas vezes como o mais sustentável do mundo. Não à toa, quando a Rio Fashion Week foi apresentada em dezembro do ano passado, durante uma coletiva de imprensa no Palácio da Cidade, o vice-prefeito da capital fluminense, Eduardo Cavaliere, destacou a relevância do setor têxtil e de vestuário na construção e no marketing da imagem e do estilo carioca. Lições do passado O reconhecimento de Paris como a sede da alta-costura e a associação do made in Italy com excelência também têm a ver com isso. Entre os séculos 17 e 18, o rei Luís XIV da França estipulou que os membros de sua corte só poderiam usar roupas feitas de tecidos franceses. Ao lado do ministro da economia Jean-Baptiste Colbert, o monarca proibiu importações têxteis, estimulando o consumo interno. O fortalecimento do setor de confecção, aliado à propaganda de Versalhes como símbolo máximo de requinte, firmou o país como referência em moda e estilo. Cerca de um século depois aconteceria a realização de um desfile tal qual conhecemos hoje. O precursor dessa forma de apresentação, que viria a ter impacto direto sobre o mercado e os produtores locais, foi Charles Frederick Worth, estilista britânico baseado em Paris. “Era uma espécie de parada com modelos”, descreve Maria Claudia. Pela primeira vez, as roupas eram mostradas em movimento. Worth inaugurou a primeira maison de alta-costura francesa em 1858 e, uma década depois, nasceu a Câmara Sindical da Costura, dos Fabricantes de Roupas e Alfaiates para Mulheres. Em 1945, o termo haute couture, ou alta-costura, se tornou uma patente francesa e a instituição adotou o título de Câmara Sindical da Alta-Costura. A entidade desempenhou papel crucial na organização do setor, na manutenção e na perpetuação de seus valores, tradições e ofícios. Hoje, o órgão evoluiu e existe sob a alcunha de Federação da Alta-Costura e da Moda Francesa. Além de salvaguardar e representar os interesses dos negócios e profissionais do meio, é quem regula todo o calendário de lançamentos de prêt-à-porter e haute couture no país. Na Itália, durante a Segunda Guerra, o governo (fascista, é verdade) criou uma cartilha para ensinar a população o nome em italiano de peças ou looks comumente referidos em francês, como tailleur. Nos anos 1950, após a derrota dos nazistas, um plano de recuperação cultural, social e econômica contou com políticas públicas para estimular a formação de artesãos especializados no trabalho com couro e com técnicas de alfaiataria. Na época, os ateliês dedicados a tais ofícios se concentravam em Florença (no caso da marroquinaria) e em Roma (referência entre os alfaiates) – a Câmara Nacional da Moda Italiana foi estabelecida lá em 1958. Milão só foi entrar na jogada a partir da década de 1960, com o boom da industrialização no norte do país. As fábricas têxteis eram – e ainda são – uma categoria importante na economia italiana. Isso, associado à explosão do prêt-à-porter, impulsionou a chegada de criadores de outras regiões e favoreceu a consolidação de novos nomes locais. Uma das figuras centrais desse movimento foi o estilista Walter Albini, um grande expoente do ready-to-wear italiano. Após sua morte, em 1983, aos 42 anos, em decorrência de complicações da Aids, ele acabou praticamente relegado ao esquecimento. Ainda assim, parte de suas criações, marcadas pela releitura do glamour da Old Hollywood, segue influenciando outros designers, entre eles o atual diretor criativo da Valentino, Alessandro Michele. Albini foi um dos primeiros a romper com a tradição dos desfiles em Florença e a apostar em Milão, contribuindo para sua consolidação como a principal semana de moda da Itália. Em 1971, ele próprio organizou um desfile unificado junto a cinco outras grifes: Basile, Escargot, Callaghan, Mister Fox e Diamant’s. Ao longo da mesma década, Giorgio Armani, Gianfranco Ferré e Gianni Versace se firmaram no cenário. New York, New York O surgimento da New York Fashion Week também está conectado à Segunda Guerra. Naquele período, a exportação de praticamente todas as marcas e produtores europeus foi interrompida. A alternativa do lado de cá do Atlântico foi fazer por conta própria. “Os Estados Unidos aproveitaram a fragilidade da Europa e aperfeiçoaram suas tecelagens e suas lojas de departamento”, explica Maria Claudia. Na esteira do aquecimento da indústria interna, em 1943, a relações-públicas Eleanor Lambert criou a Semana de Imprensa, que, mais tarde, daria origem à semana de moda de Nova York. Os EUA sabiam fazer roupas mais rápidas e baratas para os soldados em batalha. Por necessidade, o setor têxtil não só se refinou como aplicou a logística desenvolvida para fabricar milhões de uniformes e utensílios militares em tamanhos padronizados à moda civil. Essa é uma das explicações para o sportswear ter ganhado impulso e a nação ser percebida como referência do estilo. Nos anos 1950, enquanto o conceito do american way of life atingia o seu auge, os populares anúncios de jeans Levi’s evocavam aventura e despojamento. A lycra garantiu conforto nas roupas de academia e no denim. E nomes como Claire McCardell e Bonnie Cashin romperam com as estruturas rígidas dos vestidos ao introduzir tecidos laváveis, pensados para a mulher que começava a trabalhar fora de casa. Para que a criatividade dos designers estadunidenses ganhasse peso político e econômico, a organização foi fundamental. Em 1962, Eleanor fundou o Council of Fashion Designers of America (CFDA), instituição que formalizou a profissão e promoveu a moda local como elemento cultural. Parte desse reconhecimento veio em 1973, no episódio que ficou conhecido como a Batalha de Versalhes. Foi uma noite de gala que entrou para a história. O evento beneficente tinha como objetivo arrecadar recursos para a restauração do palácio do rei Luís XIV, que acabou se transformando em palco de um confronto criativo simbólico. De um lado, cinco titãs franceses: Yves Saint Laurent, Hubert de Givenchy, Pierre Cardin, Emanuel Ungaro e Marc Bohan (diretor criativo da Dior). Do outro, les Américains: Oscar de la Renta, Bill Blass, Anne Klein, Halston e Stephen Burrows. O triunfo dos representantes dos Estados Unidos se deu pela contemporaneidade do design, a energia das apresentações e a diversidade de modelos na passarela. No campo da influência cultural da moda, observa Maria Claudia, Nova York alcançou o ápice nos anos 1990, quando o sportswear incorporou o minimalismo de Calvin Klein e a experimentação de Marc Jacobs e Anna Sui. Atualmente, o brilho da NYFW arrefeceu. Muitas marcas debandaram para o calendário europeu e a falta de incentivo e atenção à indústria local complicou a sobrevivência e desenvolvimento de novos negócios. A falência progressiva de confecções e tecelagens nos Estados Unidos faz com que, hoje, apenas cerca de 3% das roupas vendidas no país sejam produzidas internamente. Para se ter uma ideia, nos anos 1960, a produção doméstica respondia por aproximadamente 95% do vestuário consumido no mercado nacional. A queda teve início na década de 1990, com a transferência em larga escala das atividades produtivas para países com mão de obra e custos operacionais mais baixos. Para o esquema valer a pena, o número de pedidos precisa ser alto, o que nem sempre compensa para marcas pequenas e/ou independentes. Do lado dos fornecedores, a baixa demanda e a falta de incentivo encarecem os custos de mão de obra e com maquinário. Versão brasileira Dadas as devidas proporções, o cenário da NYFW guarda paralelos com o histórico das semanas de moda carioca, sobretudo com a mais longeva e famosa delas, o Fashion Rio. O evento nasceu em 2002, fruto de investimentos milionários da Federação das Indústrias do Estado do Rio de Janeiro (Firjan). Ele foi comandado por Eloysa Simão até 2009, quando passou para Paulo Borges (da São Paulo Fashion Week), que o manteve até 2014. Antes do Fashion Rio, a capital fluminense teve pelo menos duas outras fashion weeks emblemáticas, ambas produzidas por Eloysa. A primeira, lançada em 1992, foi a Semana Leslie de Estilo e a segunda, inaugurada em 1996, a Semana Barra Shopping de Estilo. O denominador comum às três plataformas era o próprio Rio de Janeiro e o seu capital cultural acumulado há séculos. A estratégia era válida. Na virada dos anos 1980 para os 90, boa parte do mercado de moda migrou do Rio de Janeiro para São Paulo, seguindo um realinhamento da conjuntura econômica e social do Brasil. Era necessário fortalecer e enaltecer a prata da casa. O problema é que vendia-se mais a imagem do tal estilo carioca do que os profissionais e negócios que o elaboravam. Como resultado, o desenvolvimento e consolidação de uma rede de fornecedores e empreendimentos locais nunca se concretizou. Ao longo de toda a sua existência, o Fashion Rio foi sustentado pelos aportes financeiros da Firjan. Até que em 2014, a economia nacional entrou em declínio e o estado fluminense foi especialmente impactado – o Rio de Janeiro é o maior produtor nacional de petróleo e os royalties dessa commodity despencaram. Com a arrecadação pressionada pela crise industrial, a justificativa para manter o evento se tornou insustentável e ele acabou. Agora vai? Em um momento em que o Brasil ganha projeção com funk, chinelo, cinema, arte e turismo, abre-se espaço para posicionar a moda como uma dessas potências criativas. E o Rio é a vitrine da vez. No ano passado, a cidade foi uma das mais visitadas no país, inclusive por estrangeiros. De acordo com dados da prefeitura, a capital recebeu 12,5 milhões de visitantes em 2025, movimentando cerca de 27,2 bilhões de reais. Os principais atrativos são os megaeventos que têm rolado por lá: Madonna, Lady Gaga, Rio Open, Rock in Rio, além, claro, do Carnaval e do Réveillon. A ambição da RioFW é fazer parte dessa programação e somar na contribuição de tais atrações à economia local. Porém, uma mudança estratégica na organização do calendário de lançamentos pode trazer resultados mais amplos. A ideia é que a partir deste ano os desfiles aconteçam na Rio Fashion Week no primeiro semestre e na SPFW no segundo, com as mesmas caras nos line-ups (ambas são produzidas pela IMM). Se der certo, pode ser um caminho interessante para reduzir bairrismos e dar mais força e unidade à moda brasileira – independentemente de onde ela é feita e apresentada. O foco não é uma ou outra capital e, sim, um país. Só precisa todo mundo combinar direitinho. Leia também: Delírio Tropical: um mergulho na história da moda carioca Moda carioca muito além da Zona Sul

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