Nascemos nus, o resto é drag: conheça Zaldy, o dono dos looks de RuPaul

Quem consumiu cultura pop nos últimos 30 anos já viu o trabalho de Zaldy, 60. O estadunidense de origem filipina nasceu em Connecticut, estudou moda na Parsons School of Design de Los Angeles e concluiu a sua formação no Fashion Institute of Technology (FIT) de Nova York. Mas foi nas boates, como drag queen – antes de conceber os looks de RuPaul –, que o artista colocou em prática o seu conhecimento como estilista. Membro da cena club kid nos anos 1990, Zaldy fazia roupas fantásticas com os materiais que tinha à disposição. A cantora Lady Miss Kier, integrante do grupo Deee-Lite, foi quem descobriu o seu talento. Ela encomendou a ele, na pista de dança mesmo, um figurino sob medida. Aquele primeiro projeto deu início a uma carreira próspera: designer de estrelas, a exemplo de Michael Jackson, Lady Gaga e Britney Spears. Nenhuma parceria, porém, supera a colaboração duradoura e bem-sucedida com RuPaul. Os visuais que Zaldy produz para o reality show RuPaul's Drag Race já renderam a ele cinco indicações consecutivas ao Emmy Awards entre 2016 e 2020, na categoria de Melhor Figurino para Programa de Variedades, Não Ficção ou Reality Show. Ele conquistou o troféu em 2017, 2018 e 2019. Para além do showbiz, as produções do estilista atendem também ao vestuário cotidiano. Desde 2001, Zaldy mantém uma marca homônima, com a qual desfilou por oito temporadas na semana de moda de Nova York. Paralelamente, entre 2004 a 2007, ele foi diretor criativo da L.A.M.B., extinta etiqueta da cantora Gwen Stefani, assinou linhas de acessórios para a Swarovski (2012 e 2013), desenvolveu colaborações com a Victoria's Secret no Victoria's Secret Fashion Show de 2024 e para a coleção de verão 2027 da Gentle Monster, marca de eyewear. Zaldy possui uma habilidade ímpar de transformar gente comum em diva, dominando a combinação de tecidos texturizados, o uso de impressão 3D e a aplicação de bordados complexos para gerar impacto visual. Neste ano, após um hiato de uma década longe das passarelas, ele reestrutura a sua marca com foco no público masculino queer. A coleção de inverno 2026, apresentada em fevereiro, propõe um guarda-roupa abertamente pensado para homens gays. Há opções de itens de trabalho nada caretas, como um blazer cropped, e peças de couro com estética fetichista para a boate. Na entrevista a seguir, Zaldy relembra a sua trajetória, da fase drag ao empurrão da promotora de eventos Susanne Bartsch para virar modelo, até chegar à premiada função de figurinista: Como foi crescer nos Estados Unidos como filho de imigrantes filipinos? Fui o primeiro da minha família nascido nos Estados Unidos. Eu e as minhas irmãs éramos as únicas crianças asiáticas em toda a escola. De cara, você descobre que é diferente. Mas cresci dentro da cultura filipina, que tem influências espanholas maravilhosas. Muitas músicas, comidas e materiais ficaram nas minhas memórias. Lembro dos homens usando ternos feitos de tecidos de fibras de abacaxi, o pano piña (tradicional das Filipinas). Essa riqueza me esculpiu. A sua família te apoiou no desenvolvimento da criatividade? Muito, porém de um jeito engraçado. Venho de uma família de médicos e, como desenho bem desde pequeno, eles diziam que eu seria cirurgião plástico. Acontece que eu também adorava escolher livremente as minhas roupas quando íamos às compras. Eles deixaram eu explorar minha identidade, só não previram que eu escolheria a moda em vez da medicina. Quem eram os seus ídolos na época? Cher e (o estilista) Bob Mackie. Também as heroínas de Hitchcock, (a atriz) Marlene Dietrich e (os figurinistas) Gilbert Adrian e Edith Head, com aquele glamour antigo de Hollywood. De Connecticut você foi para Los Angeles estudar na Parsons School of Design e, depois, para Nova York terminar a graduação no FIT. Por quê? Quando cheguei à LA, fui muito livre na faculdade e acabei engolido pela cena noturna local, me vestindo de drag. Passava os dias costurando minhas próprias roupas para poder performar à noite. Tirei nota dez em todas as aulas a que compareci e repeti por falta em todas as outras. Fui expulso da Parsons, essa é a verdade. (Risos.) Aí, decidi ir para Nova York e entrar no FIT. Só que eu não queria a rotina tradicional de um estudante, então me matriculei nas aulas noturnas e aos finais de semana para seguir atuando como drag. Eu só queria pegar o meu diploma e começar a trabalhar com moda. Foi em Nova York que você viveu a cena club kid, certo? Sim, comecei a ser pago para aparecer nas festas vestido da maneira mais absurda possível. Esse era o espírito. Foi incrível. Os clubes nos incentivavam a experimentar. Nós construíamos as fantasias mais loucas que você poderia imaginar com qualquer coisa disponível, como plástico-bolha, fita adesiva e lixo. Se o look durasse a noite inteira, ótimo. Se não durasse, paciência. Nesse contexto você conheceu a promotora de eventos Susanne Bartsch. Qual foi o impacto dela na sua carreira? A Susanne conseguia unir o mundo da alta moda com a vida noturna, os club kids e as artistas trans. Ela elevou a noite (estadunidense) ao status de arte e luxo. Por causa dela, nós viajamos para a Itália para fazer o after-party do Giorgio Armani. Também fizemos turnês no Japão, Suíça, Paris, Londres. Em uma dessas idas, lembro de Tina Turner olhar para mim e falar: “Uau, suas pernas são incríveis!”. Você modelou em looks femininos para Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier e Vivienne Westwood. Pode comentar essas experiências? Fui para Paris com meu portfólio de estilista debaixo do braço. Mas toda vez que as marcas folheavam os meus desenhos, olhavam para mim e diziam: “Por que você não vira modelo?”. Eu aceitei. Participei do desfile que comemorou os 20 anos de Thierry Mugler em 1995. Ele era o meu herói. De repente, estava na prova de roupas com ele, Naomi Campbell e Linda Evangelista. Estava colando unhas postiças ao lado das atrizes Tippi Hedren e Patty Hearst. Ver como aquelas roupas eram construídas foi um enorme aprendizado. Nunca me esquecerei dessas experiências. Não era nada comum um modelo andrógino ter essa visibilidade naquela época. Eu sequer tinha agente ou alguém me representando formalmente. Ainda assim, em 1995, você protagonizou um comercial da Levi's. Os mundos eram muito segregados. Se você fosse drag ou trans, não ia ao The Eagle (um cruising bar gay em Nova York, voltado à comunidade leather), por exemplo. Cada um tinha o seu território. O (diretor de cinema) Baillie Walsh me conhecia pelos trabalhos como modelo e decidiu me colocar na campanha. Mas a agência de publicidade não queria nenhuma minoria racial no casting. Eles fizeram testes em Nova York, Los Angeles, Paris e Londres e, no fim, não acharam ninguém. Tiveram que me aceitar. Foi uma loucura. Fecharam a Times Square por cinco dias para gravar uma cena em que eu chamava um táxi. O comercial foi banido nos EUA, mas veiculado no mundo todo, inclusive nas Filipinas. É um trabalho lindo do qual me orgulho até hoje. O início da sua carreira de figurinista foi com Lady Miss Kier, do Deee-Lite. Pode contar sobre esse encontro? Ela me viu de drag na pista, gostou e pediu para eu costurar uma roupa igual para ela usar nos shows. Começamos produzindo vestidos de chiffon de estilo anos 1960 e evoluímos para macacões que tinham os sapatos embutidos na própria roupa. Depois, eu me tornei parte do show, porque ela me convidou para ser dançarino no palco por um tempo. Foi demais. A partir daí, você desenhou para os maiores nomes da indústria musical. Eu amo fazer roupas para shows porque é um trabalho de equipe. Você colabora com diretores criativos, iluminadores, além dos próprios artistas. Na última turnê da Katy Perry (The Lifetimes Tour, em 2025), ela pediu para eu desenhar todos os looks. Isso é raro hoje, pois os cronogramas são caóticos e as produções costumam ser divididas entre estilistas. Você também trabalhou com Michael Jackson na This is it tour (prevista para 2009, mas cancelada devido à morte do artista). Quais eram os desejos dele no palco? Era o Michael. Ele tinha tudo em mente, porque obviamente todo mundo sabe o que ele gosta e o que ele faz. Eu não podia ir lá e tentar reinventar a roda. Era mais sobre expandir a expressão de todas as coisas que ele já havia criado e torná-las mais ousadas. Entre os looks aprovados por ele, havia jaquetas de couro com aplicações de brilhantes, botas de plástico com bases que lembravam o seu mocassim e uma calça com luzes de LED. Nenhuma colaboração é tão profunda quanto a que você mantém com RuPaul. Como vocês se conheceram? Foi no final dos anos 1980, na boate La Palace De Beauté, do (promotor de eventos e produtor musical) Larry Tee, em Nova York. A Ru é essa figura gigantesca. Ninguém se parece com ela. Eu reparei que ela estava usando a mesma roupa da noite anterior, cheguei e disse: “Você está usando a mesma roupa de ontem”. E ela falou: “Quando funciona, sempre funciona”. Eu amei. Sou igual, repito roupas sem me importar. Mas só fomos trabalhar juntos anos depois, quando estávamos em Sapporo, no Japão, em uma turnê da Susanne Bartsch. A Ru nos contou que tinha assinado um contrato para produzir seu primeiro álbum e me perguntou se eu e o meu namorado na época, (o maquiador) Mathu Andersen, gostaríamos de desenvolver a imagem dela naquela ocasião. Aceitamos na hora. O primeiro projeto foi o clipe e o encarte de Supermodel of the World (1993). Foi mágico. São mais de três décadas juntos e 19 temporadas de RuPaul's Drag Race. Como é manter o guarda-roupa dela renovado após tanto tempo? Trato cada edição do reality como se fosse uma coleção de moda. Nós trabalhamos com muita antecedência. Acabamos de despachar as roupas da 19ª temporada (a 18ª terminou em abril de 2026). O público só vai assistir a isso em janeiro de 2027. O meu desafio é prever o que vamos querer olhar daqui a um ano. E a Ru não está competindo no programa, ela é a instituição, então o foco é construir algo impecável. O que é feito com esse acervo? A Ru fez um closet que ocupa um andar inteiro da casa dela. Eu visitei pela primeira vez há umas três semanas e ficamos profundamente emocionados. É realmente um museu. Mas estamos conversando sobre as possibilidades de ter um destino definitivo para essas roupas. Temos planos bonitos para o futuro, mas ainda não podemos compartilhar. Essa amizade significa tudo para mim. Trata-se de confiança, lealdade, gentileza e amor real, coisas raras na indústria. É uma relação viva, que continua crescendo. Não ficamos estagnados no “lá vem a temporada 20”. Nós vibramos planejando a próxima. Sua marca homônima tem mais de 20 anos de mercado. Por que você decidiu focar no público masculino agora? No passado, criei oito coleções femininas, mas hoje percebo que os homens têm maior liberdade para se expressar através da moda. Vemos até astros do esporte usando bolsas Chanel. Além disso, houve um motivo egoísta: queria criar para o meu próprio guarda-roupa. Afinal, o investimento é do meu bolso. (Risos) Existe uma nova coleção a caminho? Sim, estou trabalhando nela. A proposta é sensual, mas de uma forma descontraída e voltada para o dia a dia. Já temos data reservada no calendário da NYFW, em 14 de setembro. O local ainda é segredo e vai ser divertido. Olhando para trás, você acha que estamos mais livres agora do que no passado? Nas décadas de 1980 e 1990, a inclusão promovida por designers como Jean Paul Gaultier e Vivienne Westwood, com pessoas de todas as idades, tamanhos e gêneros, era genuína. Eles não cumpriam um protocolo ou cota de diversidade. Criavam assim porque era como enxergavam o mundo. Hoje, um estilista independente não consegue sobreviver sem o suporte financeiro de um conglomerado. Há também o patrulhamento constante na internet que gera um medo de errar e sufoca a criatividade. A armadilha de tentar agradar a todos mata. É por isso que a independência da minha marca é vital. Ninguém é o meu dono, assim, posso fazer o que quiser. Leia também: Moda transgênero: diferentes vivências, diversos closets Destaque: Foto por JEIROH

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